《艺术的故事》打开了一扇窗，以前对艺术、文学特别是对西方的绘画并没有真正开窍，我们看一个艺术作品首先是受到视觉的冲击和感染，除此之外，说不出来任何东西，脑子里也不会有任何反应。

 

贡布里希《艺术的故事》是一部非常经典的书籍，几十年来该书被译成30多种语言，广为传播《艺术的故事》打开了一扇窗，以前对艺术、文学特别是对西方的绘画并没有真正开窍，我们看一个艺术作品首先是受到视觉的冲击和感染，除此之外，说不出来任何东西，脑子里也不会有任何反应。

虽然平时也喜欢看展，看了不少画，但是并看不出个所以然，自看了《艺术的故事》，回过头再去看以前的一些艺术作品，可以说理解是不一样的古往今来、世界各地有数不清的、海量的艺术作品，但是真正要把这些艺术作品背后的逻辑提炼出一套规律，则是非常难的挑战。

东西方的抽象思维能力的差异在于，东方的抽象思维为一种意境和虚无的东西，一切有形的东西都不能成为最高境界，最高境界一定是要无限抽象而西方的抽象是朝另外一个地方的抽象，一切抽象的结果是为了抽取其中的规则和轮廓，西方这种可以称之为规则型的抽象思维能力，跟东方意境式的抽象思维能力有着质的差别。

西方亚里士多德开创的演绎思维逻辑，中国与之相对的是我们的《易经》，《易经》是我们东方的一种思维推理工具如果说西方演绎逻辑推理的是一种100%的必然性，中国《易经》讲的就是一种概率，一种根据事物运行的状态做的评估，判断当前的各种可能性以及对未来可能会出现的概率做预测。

西方还有就是帕斯卡的分析法－－所有的科学理论都是建立在分析法之上的，把整体分解成局部，再把局部分析透还原成整体，这样就会对整个事物产生非常深刻的认识用西方抽象思维能力的规则来读《艺术的故事》这本书，就会发现贡布里希是如何运用抽象思维把这么多国家、这么长历史时代几千年的、这么多的艺术作品提炼成规则的，任何艺术作品背后都有规则，这是本书最大的突破。

作者纵观古今解读了各个时代、各个不同类型的艺术家们所面临的共同问题，他们如何解决这些问题的方法本身就构成了规则当中主要逻辑的组成部分相当于作者建立起来了理解全世界艺术品的一套价值坐标体系，有了这套价值坐标系才能正确的去看待这些艺术作品。

壹当我们看到一个西方的绘画作品时，首先要学会鉴别大概这幅作品大概是什么年代，能知道每个时代的画风、风格和什么流派，才能知道对于那个时代、那个潮流有个整体的理解力，比如有哪些典型的主要特征脑子立刻会浮现出来，这样对这幅作品的理解力和鉴赏力就会加深很多。

这本书有一个很有意思的例子，比如古埃及的绘画作品，都是一个多视角看一个世界，埃及人的画像全是侧着看的，为什么侧着呢？是因为要把人的所有重要的身体部位展现给观众，比如脚都是侧着这样可以把脚的形状、大小都展示很清楚，它的肩膀却是正着看的，这样可以看到身体的结构，手臂和躯体连接的部位，他的头是侧着的，眼睛却是正面注视。

以前我们看到大量埃及这样的艺术作品，脑子却没有去抽象思考艺术背后的规则，这也是《艺术的故事》这本书了不起的地方贡布里希抽象出来的古埃及艺术的这种核心原则是要保留所有关键细节，关键细节重要性压倒一切，换言之埃及艺术家在绘画的时候关键信息要全这是最重要的，而其他创造带来的美好感受等这些是次要的。

作者用一条原则就把古埃及3000年以来艺术的精华和核心的规则提炼出来了为什么埃及的艺术作品要这么做，书里面讲到了一个非常重要的原因是宗教需求，埃及宗教里面相信人死后会复活，正是因为人死后会复活所以身上重要的部件绝对不能弄错的，他们相信画中的人像是带有灵魂的，他们要舍弃美感追求细节的严密性，否则会影响复生，这个是埃及艺术背后的一个重大的逻辑。

贰在说后来的古希腊，古希腊其实是在古埃及学到了大量的艺术，那么古希腊艺术的核心原则是什么呢？埃及的艺术文化传到古希腊之后面临到了不同的宗教信仰和市场需求，希腊没有埃及的那种法老建立的宗教制度，希腊是多神论，这些神之间跟人类关系非常密切，没有死后复生这样的概念，到了希腊的时候，他们对埃及艺术的很多地方做了修改和创新。

公元500年的时候，他们在保持古埃及那种古老的规则之外，开始用自己的眼光、带着自己的审美观点来看这个世界苏格拉底有一句名言，艺术家应该准确观察情感，支配人体动作的方式，从而最终表现出心灵的活动希腊艺术家用眼睛参加创作，就会用艺术家觉得美的角度来阐述，这个时候给了艺术一个巨大的解放的冲动，使得希腊的艺术家能有了更大的施展空间和自由活动的范围。

可以看到整个希腊艺术早期，也就是公元500年前，希腊的艺术主要是在模仿，转折点是开始采用了短缩法第二个时期是希腊艺术的全盛期，从公元500年前到公元420年，在这近200年之间，作者举了一个典型例子，我们都知道著名的米龙作品《掷铁饼者》，但是不知道背后的主要规则是什么，其实它的规则就是掷铁饼这个动作和它的创作实际上是埃及的构图法，加上希腊人通过自己的眼睛对身体的细节，特别是肌肉和骨骼的精细化的认识，再加上对动态的征服，这种“三合一”所创作出来的《掷铁饼者》就是其主要的规则。

再往后就是希腊化时代，用一句话概括它的规则就是，用希腊的艺术手法去创造和追求一种强烈的戏剧性效果书中举例了拉奥孔父子被两条海蛇勒死，这个雕像有很多复制品，但是如果完全不懂艺术史的理论，或者没有艺术史学家熏陶，你看到这幅作品，拉奥孔父子被海蛇缠死，你只会觉得这幅作品真的很优美，人体的扭曲、两个儿子的挣扎、肌肉和血管的膨胀都非常的形象，会觉得这是一个非常了不起的创作。

但是在贡布里希看来这个作品实际上是希腊作品在走下坡路，当艺术家们开始舍弃对艺术本身的追求，而去炫耀自己的技术、讨好市场的时候，说明已经过了艺术的最高境界，用这样的意识再去看这幅雕像作品的时候，跟以前的看法就完全不一样了，也能知道每一幅作品在当时处于什么地位。

叁对于罗马时代，贡布里希认为罗马人没有太多的艺术细胞，罗马帝国就是新修了一些工程，主要是建筑工程上的技术比较强，艺术绘画上没有什么太多造诣罗马帝国之后欧洲经历了500年艺术上的黑暗时期，贡布里希认为在这500年间，即公元500年到1000年之间，整个中世纪的基督教的艺术规则，用三句话提炼是：。

埃及人画的是他们知道的东西，即用知识在绘画；希腊人画的是用他们眼睛能看到的东西，即用眼睛来绘画；中世纪基督教这些画家，画的是他们能感觉到的东西总结真的是既深刻又传神，脑洞大开12到14世纪，首先是北方的哥特式艺术崛起，意大利文艺复兴是晚于哥特艺术的，哥特艺术最主要的组成部分就是法国北方兴起的哥特式教堂，尤其是法国诺曼底地方，哥特式教堂带来了新的建筑的一系列新的规则，哥特建筑形成了一种新的线条为主的艺术法则，在绘画艺术上强调的是强烈的情感和完美的构图一定要能打动人，要的就是感染力和感受，美不美这些都不重要。

到了文艺复兴运动，也就是14到16世纪，南方意大利兴起文艺复兴，你会看到乔托这一代人建立了一种新的艺术规则，文艺复兴时代的艺术规则是艺术家开始重新用眼睛来看世界，真实性变得非常重要，整个文艺复兴运动都是强调用眼睛观察世界，这不就是希腊人做的事情吗？所以叫做文艺复兴，强调的是视觉效果和立体感，探索视觉法则，要真实的再现世界，这是整个文艺复兴的基本艺术规则。

乔托作为第一代文艺复兴伟大的作家，代表作品《哀悼耶稣》，整个画充满了立体感、空间感、纵深感和真实感。

肆再往后17-18世纪，也就是巴洛克为代表的一代，艺术规则又发生了变化，那个时代成长起来的新一代画家对于文艺复兴比如拉斐尔等画比较反感，从艺术角度来讲拉斐尔的作品纯粹是构造出来的、很理想化的一种美，后来的画家则越来越喜欢真实、活生生的人。

整个巴洛克时代也有一个历史背景，文艺复兴运动之后在1517年开始了宗教改革，路德一帮人崛起导致欧洲北方日耳曼民族基本脱离了罗马教会，罗马教会面临严重危机，为了挽回信众而大力发展艺术，希望用这些特别能感染人的艺术、绘画乃至雕刻等作品重新吸引老百姓到教会来。

巴洛克艺术的兴起，源于教会要重新吸引信众，因此用了一种非常极端的艺术手法，要酷、要炫才能拉人进来后来这些东西也被一些民主国家的君王也继承了，比如法国的路易十四，凡尔赛宫就是巴洛克一个巨大的舞台概括起来说巴洛克艺术的核心就是追求强烈的舞台效果，不管是开心或者痛苦，悲伤或者销魂，都要达到极限效果以博得眼球，这样才能吸引老百姓来看，用现在互联网时代的语言来说，就是当代的标题党，一定要说最狠的话才能吸引观众。

正因如此巴洛克艺术不能走得长远，不能像文艺复兴那样是真正的一种重大的艺术革命，是世界观、理念和哲学意义上的突破当然虽然巴洛克时代的艺术平庸之辈众多，但也有一些出名的艺术家，比如卡拉瓦乔、卡拉奇我是很喜欢的，表面看起来他们两人的作品风格差不多，卡拉奇的《圣母哀悼耶稣》这副画最主要的特点是大量使用光，利用独特的光线照在死去的耶稣身上，产生一种巨大的心里上的感染力，那种感觉是在中世纪前期或文艺复兴之前绝对看不到的。

卡拉瓦乔跟卡拉奇也一样，虽然也是大量使用了光和色彩，但是两人的思想境界是不同的，卡拉奇的作品类似拉斐尔时代，作品塑造一种纯粹非常理想化的美，而卡拉瓦乔追求作品的真实性，无论美丑不重要，但是一定要真实

伍再往后就是19世纪，最主要的是印象主义，印象主义的规则提炼出来就是真实的景象是源于我们的眼睛和大脑共同形成的色彩的感受，无论是马内《阳台》，还是莫奈的《圣拉扎尔火车站》或者其他人，基本上可以看到都是贯穿这个规则。

除此之外，塞尚被成为现代艺术之父，塞尚的画的规则提炼出来是，正确的轮廓不代表一切，贡布里希说现代艺术有三个主要的现代艺术之父——塞尚、梵高、高更这三个人从规则上就可以看到他们作品的区别，塞尚是正确的轮廓不代表一切，梵高是内心正确的感觉高于一切，高更是激情就是一切。

​20世纪的现代艺术，它的主要规则贡布里希概括出来就是，艺术家已经不满足于观察，艺术家想要创造事物而不是模仿我们面对问题最大的挑战是需要具备抽象思维能力，用最简单最准确的语言把事物的规则提炼出来，读艺术的书貌似是在读艺术，其实也是在锻炼一种思维能力的提高，这样对于今后自己所在做的行业或者学科都是有帮助的。

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