哈特韦尔纪念窗这扇窗户由阿格尼丝·F·诺斯罗普为蒂芙尼工作室设计，代表了20世纪初期蒂芙尼工作室的顶峰时期。蒂芙尼工作室由路易斯·康福特·蒂芙尼创立，以其对色彩的革新使用和对光影效果的探索而闻名。

 

哈特韦尔纪念窗

这扇窗户由阿格尼丝·F·诺斯罗普为蒂芙尼工作室设计，代表了20世纪初期蒂芙尼工作室的顶峰时期。

蒂芙尼工作室由路易斯·康福特·蒂芙尼创立，以其对色彩的革新使用和对光影效果的探索而闻名。

哈特韦尔纪念窗不仅是一件艺术品，也是对蒂芙尼工作室“用玻璃绘画”技术的一次集大成展示，通过不同类型的玻璃和创新技术实现了独特的视觉效果。

哈特韦尔纪念窗展示了至少五种特殊玻璃，包括闪光玻璃、乳白玻璃、纹理玻璃等，这些玻璃的使用创造出丰富的色彩和深度效果。

此外，通过在玻璃的最前面施加的表面和层与层之间的涂绘区域，增加了细节和纹理的层次，这是蒂芙尼工作室技术创新的体现。

此纪念窗原本为罗德岛普罗维登斯中央浸礼会教堂（后成为普罗维登斯社区教堂）所拥有，2018年，为了更好地保护这件艺术品并保持其对公众的开放，教会决定将其搬迁至芝加哥艺术学院。

LED系统进行背光处理，以模拟原始设置中阳光的效果，让窗户在没有自然光的室内环境下也能展现其独特的美。这种方法不仅保护了窗户，而且提供了一个新的视角来欣赏这件作品的细节和色彩变化。

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1997年马克·夏加尔《美国之窗》

马克·夏加尔是一位出生于俄罗斯的法国画家，他被认为是20世纪最重要的艺术家之一，其作品持续受到全球观众的喜爱和赞誉。

他的作品独特而富有诗意，其风格融合了超现实主义、民间艺术和个人记忆。夏加尔的作品经常探索梦境、童年记忆以及对他的犹太背景的反思。

《美国之窗》是马克·夏加尔于1977年创作的一系列彩色玻璃窗，旨在庆祝美国二百年国庆，并作为礼物赠送给芝加哥艺术博物馆。

这些窗户巧妙地融合了美国历史的象征、芝加哥天际线以及艺术的元素。从左到右阅读，这些面板分别代表音乐、绘画、文学、建筑、剧院和舞蹈。

彩色玻璃

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1877年古斯塔夫·卡耶博特《雨天的巴黎街道》镇馆之宝之一

古斯塔夫·卡耶博特是19世纪法国的画家和艺术赞助人，他因其在印象派运动中的双重角色而闻名。

作为一个富有的继承人，卡耶博特不仅自己创作了许多重要的作品，而且还以赞助者的身份支持了许多印象派的同僚，包括购买、展示他们的作品以及为他们提供财务支持他是第一个购买莫奈和雷诺阿作品的收藏家之一，并且在他去世后，根据遗嘱将自己收藏的许多印象派画作捐赠给了法国政府，这些作品后来成为奥赛博物馆珍贵藏品的一部分。

卡耶博特的《雨天的巴黎街道》是对日常生活瞬间与城市生存更深层次、更具存在主义色彩的揭示的卓越展示，它以一种更加结构化、近乎摄影的手法，展现了巴黎现代化的景象。

卡耶博特的画作超越了简单的再现；它呈现了现代性的双重性新大道作为进步和现代城市规划的象征，以精确和控制的方式被描绘，而画中人物似乎是孤立无援，尽管他们身处同一空间，却各自沉浸于个人世界中这种二元性反映了社会向更大连通性和更高匿名性转变的更广泛趋势。

1884-1886年乔治·修拉《大碗岛的星期天下午》镇馆之宝之一

《大碗岛的星期天下午》是点彩画新印象主义代表画家乔治·修拉创作的一幅布面油画。此画描绘了盛夏时节人们在大碗岛上游玩、乘凉的情景。

大碗岛是位于法国巴黎附近奥尼埃的一个岛上公园，也是巴黎人盛夏理想的避暑圣地。

在世界美术史上，印象主义到后来衍生出了“后印象主义”和“新印象主义”两个派别其中的新印象主义是对印象主义色彩运用的进一步科学化和精确化通过分光镜可以把太阳光分析成七种颜色，印象派只是用这七种混合的原色作画，并注意色彩在不同的光线照射下发生的不同变化。

而新印象主义不用混合色，而是通过科学方法将自然中存在的色彩分剖为构成色，用微小的笔触画在画面上，形成小色斑块，靠观赏者眼睛的自然混合产生中间色，并通过色光的混合，增加光量，提高光的反射率和透明度，使颜色的调和达到和谐、鲜明的效果。

因而，可以说新印象派把光和色彩运用得更为精确和机械。《大碗岛的星期天下午》就是“新印象主义”的代表作。

这幅画最大的特点就是画面上布满了精密、细致排列的小圆点，这些小圆点是用不加调和的暖、冷色以及相近色、互补色等堆积而成的，在欣赏者一定距离的视角范围内观看，形成了鲜艳和饱满的色彩效果。

此画充满科学性：用色科学和构图比例科学“新印象主义”主张将自然色分解为构成色，用点彩画法绘成细密小色块，靠视觉混合产生中间色，使画面柔和构图结合几何学、黄金分割、透视法等，使画面虽人物众多，但比例和谐画中女性所穿是巴斯尔时代女装，盛行1870～1890，特点是用臀垫塑造后臀。

修拉的这幅画预示了塞尚的艺术以及后来的立体主义、抽象主义和超现实主义的问世。是一幅具有里程碑意义的作品，对现代艺术的产生起到了直接的启迪作用。

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1930年格兰特·伍德《美国哥特式》镇馆之宝之一

《美国哥特式》是美国画家格兰特·伍德的代表作，是幅真正使他开始成名的画作。该画是20世纪的标志性的绘画形象，与《自由女神像》、《芭比娃娃》、《野牛镍币》和《山姆大叔》称为美国文化的五大象征。

1930年8月，伍德在美国爱荷华州南部的一个小镇看到一所颇具哥特式风格的房子，它建于1880年代，有五个房间此建筑物的紧凑和坚实的设计，尤其是阁楼上的哥特式窗户，给伍德留下了非常深刻的印象他想象着一个农夫和他的女儿站在房子前面，然后拍下这个房子的照片带回了他的工作室。

他请他62岁的牙医和他30岁的妹妹作为画中人物的模特，并让他们穿上19世纪维多利亚时期的衣服虽然在画中两人是站在一块的，但实际上这两个人物是在不同的场合下完成的伍德花两个月的时间完成了这幅作品，及时赶上了芝加哥艺术学院的展览。

虽然一开始裁判们对是否要接受他这幅画上有分歧，但这幅画最后得以参展并获得了铜奖和300美元的奖励当时这幅画引起了极大的争议，一个艺术批评家指责该画是“侮辱普通乡村人民的漫画”有人认为伍德用这幅画来讽刺中西部文化的狭隘和压抑，但伍德本人否定了这种说法；也有人把这幅画理解为对美国乡村道德品质的颂扬；还有人认为这部作品的主题非常暧昧，既有赞扬的肯定，又不乏讽刺的意味。

后来伍德自己透露他的画中含有讽刺的因素，但至于是哪些因素他缄口不言

该画绘制于美国经济大萧条时期，画面上男人的眼睛直直地向前平视，双唇紧闭，黄瘦的脸上表情十分严肃，鼻梁上一丝不苟地架着圆圆的眼镜。

他沾满泥巴的手里拿着一个叉，它代表了在农业占主导地位的年代，农民们勤劳耕作的精神从构图上来看，这个叉与人物椭圆形的脸和人物身后哥特式窗户的线条相呼应站在他身边的女人一副典型的维多利亚时期女性的装扮同男人一样，女人的表情也不苟言笑，只因那个年代的女性以严谨、矜持、勤劳、克己为美德。

她略微站在男人身后，眼睛看向男人

关于画中的两个人物的关系，也一直是大家争论不休的话题，到底是一对农场老夫妻还是父亲和女儿？

1942年爱德华·霍普《夜游者》

《夜游者》是美国画家爱德华·霍普的代表作作品的灵感来自于霍普的居住地——纽约格林威治村的餐厅霍普在珍珠港事件後不久就开始画这幅画，因为在珍珠港之後，他深深地感受到笼罩著美国的一片愁云惨雾，而他也把这种感觉融入这幅画作里。

在餐厅外，城市的街都是空空如也的，在餐厅里的三个人也没有对对方谈话或看著其他人，但都在自己的世界中迷失了

画面上左边的两人是情人，背对的男人孤独地坐着。而餐厅内的一个侍应生，虽然有抬起头来，但似乎是望着顾客们后面的窗户。

画作描绘了现代城市生活的苦闷﹑孤独；这是霍普一向惯用的主题。如果细心一点看，会发现餐厅没有明显的门口可以让客人走出去，突显了画作的另一个主旨：囚禁与限制。

霍普否认他是故意画成这样的，但他承认“也许，我的确是无意识地在描绘一个大城市的孤独”在画作完成的那个年代，萤光灯技术才刚刚出现，或许可以解释为什么画中的餐厅对比窗外空空如也而又漆黑的街道，会发出一阵怪异阴森的光。

1831年葛饰北斋《神奈川冲浪里》

《神奈川冲浪里》是日本艺术家葛饰北斋创作的浮世绘版画该画描绘的是神奈川附近的海域，即“神奈川冲”的巨浪，在这汹涌澎湃的海浪中，有三条奋进的船只，英勇的船工们正为了生存而与大自然进行着惊险而激烈的搏斗，惊涛骇浪激起飞沫，即将吞噬小舟。

远远望去是富士山，正安详矗立，与这巨浪相比，显得非常矮小

江户时代是日本封建社会的晚期，它和中国的清代相吻合由于经济的增长，城市里首先产生一种“町人文化”（即市民文化）由于市民文化迅速得到发展，作者云起，需求量扩大，作品大量印制，以供需求从而使肉笔浮世绘进入版画浮世绘阶段。

葛饰北斋即此阶段的代表人物

《神奈川冲浪里》是葛饰北斋版画集《富岳三十六景》中的一幅《富岳三十六景》描绘的是从关东36个不同地点远眺富士山的景色（初版只绘36景，后追加10景），神奈川冲即是一处日本人自古以来普遍对富士山抱有一种近乎宗教般崇拜的心理，这在江户时代中期发展至高峰。

从地理上看，神奈川冲应是关东远眺富士山的距离极限，由此到富士山，隔着宽阔的相模湾该画也是借这一现实景物进行扭曲变形来创作

这幅作品原为大众市场生产的商业版画，现存约100张，其中芝加哥艺术博物馆收藏了3张原版由于版画纸张脆弱，每五年仅展出3-4个月作品引入欧洲的普鲁士蓝，使海浪和天空色调更为丰富，并以从右至左的阅读方式增强压迫感。

《神奈川冲浪里》诞生于葛饰北斋70岁时，当时他正从人生低谷中重生，富士山的宗教意义也深刻影响了他的创作主题作为艺术经典，它启发了德彪西、梵高等众多艺术家，并在全球范围内引发了无数致敬与恶搞版本，成为跨文化的永恒象征。

1887年 荷兰梵高的《自画像》

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1889年 梵高《在阿尔的卧室》

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莫奈的《干草堆》系列

1890-1891年莫奈 《干草堆（夏末）》

1650年尤斯塔什·勒修尔《温和》

这幅作品是法国画家尤斯塔什·勒修尔于1650年创为他的赞助人吉约姆·比尔松内特绘制的作品。

此作品与一幅领受报喜画、圣母玛利亚生平的单色画、以及描绘其升天的教堂天花板共同出现。被赞助人用于装饰巴黎家中的私人教堂。

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18世纪 德国的储藏柜

这件储藏柜为大卫·伦琴出品大卫·伦琴1743年生于德国，是18世纪著名德国家具制造商亚伯拉罕·伦琴之子他自幼于家族内学习家具制造工艺，29岁正式继承父亲的衣钵，开启职业生涯1774年8月，大卫·伦琴动身前往整个欧洲的艺术中心——法国拓展家族业务。

1780年伦琴凭借一种全新的“细木镶嵌”工艺，在法国家具界获得了一席之地

随着18世纪那场“中国热”席卷整个欧洲，在伦琴家具上精美的细木镶嵌图案中，我们也能看到有着浓重东方风情的亭台楼阁，花鸟鱼虫。

这件储藏柜顶部是典型的德国洛可可风格，图案则是中国风配以丰富而细腻的铜饰、及色彩丰富的细木镶嵌，整件使用了超过20种木材，包括美国黑胡桃木值得一提的是，在当时伦琴家具更成了整个西欧贵族们的心头之好，统治者们一掷千金，只为打开带有大卫·伦琴缩写的“DR”锁扣。

18世纪 斜面书写桌

昔日的贵族女士将它安置在闺房起居室，优美轻巧的设计可以方便移动闲时，贵妇人或淑女可以书写私密信件，羽毛笔、墨水瓶以及签印都放置在里面，此外写字台还考虑了最重要的保密性在装饰上采用了当时最顶级的青铜鎏金工艺，还有极为罕见的东方舶来品漆画以及镶嵌的细木花草图案。

路易十五与钟情的情人洛可可教母蓬帕杜夫人曾在非常喜爱的一个行宫舒瓦滋城堡定制了多件这样的小书桌其中著名1756年那张著名的蓬巴杜夫人画像，就是见证，以至于后来又将它称为bureau de dame （淑女书写桌）。

1727-1730年德国梅森瓷器时钟

英国塞弗尔瓷器：

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1813年 伦敦德里花瓶

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英国 韦奇伍德瓷器

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英国明顿陶瓷（1834-1904年）

‌明顿陶瓷是一家历史悠久的英国瓷器制造商，成立于1793年，由托马斯·明顿创立‌明顿陶瓷以其独特的艺术风格和精湛的工艺在英国陶瓷工业中留下了深刻的印记公司最初在斯塔福德郡的斯托克开设窑炉，并逐渐发展成为骨瓷生产的领先者。

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明顿陶瓷的产品类型丰富多样，包括骨瓷、帕里安瓷和帕利西瓷等其艺术风格紧跟时代潮流，广泛吸取了诸多瓷厂的经典风格明顿陶瓷不仅在1851年的伦敦世界博览会上荣获铜牌，还成为维多利亚女王的供应商，显示了其在英国乃至欧洲陶瓷业中的重要地位。

在历史发展过程中，明顿陶瓷经历了多次合并和变革1968年，明顿与皇家道尔顿合并，随后在2005年被韦奇伍德集团收购这些变化使得明顿陶瓷的生产大幅度缩减，并在90年代主要工厂被拆除，仅保留了博物馆用途的部分。

明顿陶瓷不仅在艺术上有着卓越的表现，还因其技术创新而闻名。例如，浮凸贴金工艺是一种由学徒七年才能掌握的技术，金色图案从基底表面突出，创造出三维装饰效果，展现了其工艺的精湛和创新

1878年 英国 伍斯特瓷器厂出品

1875年 英国 壶

约1880年 法国 挂钟

伊朗瓷器艺术

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中世纪盔甲武器：

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护身符埃及 托勒密王朝公元前305年一公元前30年

玻璃耳环埃及 新王国第18王朝中至晚期约公元前1400年至前1295年

玻璃容器埃及 第十八王朝公元前1375年

公元前664-332年埃及 青铜镜子

公元1100-1470年镶嵌绿松石的黄金仪式刀

这件作品是一把具有象征意义的刀具，制作者来自秘鲁北海岸作品描绘了南科迦大山谷的传奇创始者和殖民者内姆拉普，被认为是刀具顶部所代表的传奇人物这把刀在国家仪式中由王朝统治者佩戴，代表着用于动物祭祀的铜刀，以更宝贵的形式呈现。

内姆拉普双臂交叉放在腹部，双脚外撇他的黄金头饰采用复杂的开放式金丝绣设计绿松石对古代秘鲁人民来说是一种与对水和天空的崇拜有关的宝石，镶嵌在头饰帽和耳饰周围仪式刀是使用多种金属加工技术制成的刀刃采用实心铸造方法制成。

脸部和身体则是通过加热、塑形和冷却的退火和浮雕制作而成，浮雕设计是从背面锤打到模具中的最后，头饰顶部周围的小装饰品是分别锤打或铸造的，然后焊接到位这把刀和许多其他金、银和纺织品是在皇家车间制作的，并作为等级和权威的象征，被隆重地赠送给高级官员。

公元1100-1400年印加服饰

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